ALEKSANDR RODSCHENKO E O CONSTRUTIVISMO RUSSO

Aleksandr Mikhailovich Rodchenko era casado com a artista Varvara Stepanova.

  

   “Um dos maiores artistas do século XX, Rodchenko foi artista plástico, escultor, fotógrafo e designer gráfico russo, criador de capas de livros, revistas, propagandas e cartazes, entre outros. Um dos fundadores do construtivismo russo e design moderno russo.“

   Alexander Rodchenko é um dos máximos expoentes da vanguarda soviética dos anos 20 e 30. Nasceu em São Petersburgo, em 1891. A sua família mudou-se para Kazán, no Oeste de Rússia, onde Alexander estudou Historia da Arte.

   Em 1915, influenciado por Malevich, começou a pintar com tendência abstrata.

   O artista experimentou diferentes técnicas de expressão artística, estudando a pintura, a fotomontagem e a fotografia em profundidade, como documento da realidade e como instrumento de propaganda.

   A imagem é fruto de uma construção. A arte geométrica refletindo a tecnologia moderna. Misturando foto, desenho e gráfico atinge seu objetivo: “construir” a arte, não criá-la, onde a imagem é fruto de uma construção.

   Rodchenko afirmou ser possível desse modo, expor a falsidade latente em todos os produtos artísticos - a linha defendida pelo Realismo Socialista.

   Suas fotografias são composições arrojadas, com grandes planos, perspectivas monumentais, geometrização com ênfase nas diagonais, pontos de vista abruptos tomados de cima ou de baixo em diversos ângulos retratando o verdadeiro sentido das suas palavras, a dimensão da sua criatividade e o seu legado futuro.

   Rodchenko trabalhou com ousadia e inovação suas fotografias, como a insistência no preto e branco; a eliminação do detalhe desnecessário; a ênfase do posicionamento e o movimento no espaço o que lhe valeu o rótulo de formalista que, na altura, era potencialmente uma ameaça de morte. Sem Rodchenko não teria havido fotojornalismo nem teríamos podido admirar as imagens de Cartier-Bresson, Capa ou Seymour...

   O artista russo era uma personagem multifacetada que se sentia tão à vontade na pintura como na escultura, no design ou na fotografia, que o notabilizou. Os seus trabalhos publicitários e comerciais são surpreendentes não só pelo insólito de serem feitos por um artista "revolucionário" como pela inovação gráfica que trouxeram.

   Nos anos de 1930, com as mudanças que o Governo implementou nas regras da prática artística, o artista entrou em conflito com a burocracia estalinista, concentrou se em fotografia de desporto e imagens das paradas, movimentos coreografados e voltou a pintar.

   Viveu os seus últimos vinte anos de vida na obscuridade e no isolamento. Não foi assassinado - «apenas» foi silenciado e excluído. Faleceu em 1956.

   Até hoje, suas imagens são verdadeiros documentos para a difusão de Construtivismo Soviético.

“Os resultados do primeiro Plano Quinquenal" desenhado por Stepanova e/ou Rodchenko, em 1933. Uma foto-montagem do Construtivismo...

VLADIMIR TATLIN E O CONSTRUTIVISMO RUSSO

 Pintor, escultor e arquiteto russo nascido em Kharkov, Rússia, hoje Ucrânia (1885-1953), primeiro teórico do construtivismo soviético e grande incentivador do movimento. Estudou na Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura de Moscou, graduou-se na Academia de Belas-Artes de Moscou (1910) e começou a carreira produzindo quadros em estilo figurativo.

Viajou a Paris (1913), onde é influenciado pelas construções tridimensionais de Picasso, em papel, madeira e outros materiais. 

Retornou a Moscou e integrou-se a um grupo de pintores e escritores russos vanguardistas de Moscou, Odessa e São Petersburgo. Nesse período desenhou para o teatro e participou de diversas exposições.

Tatlin criou os chamados contra-relevo, assemblages abstratas de metal industrializado, arame, madeira, plástico, com superposição de fios, vidro, alcatrão e outros materiais, numa técnica semelhante à colagem cubista.

Para o artista, os contra-relevos ficavam numa zona intermediária entre a pintura e a escultura porque fugiam da estabilidade dos pedestais ou das paredes, ficando muitas vezes suspensos por arames estendidos de diversas maneiras no encontro de duas paredes. Ele dava muito mais ênfase ao espaço, do que com a matéria, e isso o fazia revolucionário.

Vladimir Tatlin , “RELIEVE”, 1914 – metal e couro sobre madeira – 62,9 x 53 cm.

  É a partir destas obras que Tatlin funda o Construtivismo, movimento que associaria vários artistas como do Aleksandr Rodchenko e sua mulher Stepanova.

Com o triunfo da revolução soviética (1917), passou a trabalhar usando a arte como instrumento de educação para o povo.

Os construtivistas acreditavam que a arte deveria refletir o novo mundo industrial e adaptar formas, materiais e técnicas da moderna tecnologia, encarnando a ideia do artista-engenheiro empenhado na construção de objetos úteis.

Exemplo desta fase criativa é o “Relevo de esquina complexo”, de 1915, em aço, alumínio, zinco e madeira. Peças de metal e de madeira são justapostas e suspensas da esquina de uma sala, pretendendo acentuar valores de contraste entre formas, materiais e texturas.

Muitas construções, como o Monumento da 3ª Internacional (1919), criado por Tatlin, são protótipos para arquitetura, cenários ou desenho industrial.

Este monumento pretendia representar os novos tempos e a dinâmica social, tentando integrar arte e técnica. Esta metáfora da sociedade maquinista relaciona-se com um tema que estava presente também nos outros movimentos de vanguarda. 

Feito com ferro, vidro e madeira, em consonância com as ideias socialistas e usando materiais industrializados empregados no uso cotidiano, colocaram a arte a serviço do bem comunitário, atuando na direção utilitária do desenho industrial e arquitetura.

A torre teria 400 metros de altura (mais alta que a Torre Eiffel) e o monumento seria colocado no centro de Moscou.

O projeto, nascido num momento de entusiasmo político, nunca foi construído devido à alteração da política governamental que passou a manifestar-se contra a arte de vanguarda e também pelo pouco aço, dessa forma, a ideia não passou de um modelo, mas certamente teria sido o mais impressionante “construto” de todos os tempos.

Inclinada como a Torre de Pisa, a estrutura vazada de vidro e ferro se baseia numa espiral contínua para representar o progresso vertical da humanidade, onde todos os cilindros iriam girar: embaixo daria uma volta de 365 dias, no meio, 30 dias (lua) e em cima, 24 horas.

Na parte de baixo comportaria repartições públicas; no meio, escritórios e em cima, uma estação de rádio. Na calota (protetor) trazia slogans comunistas.

Reconstruída em 1976/1968 (maquete) para uma exposição na Moderna Museet, em Estocolmo, Tatlin projetou essa movimentada torre como um símbolo do monumento e do ilimitado potencial da União Soviética, representando a alegoria do Cosmo.

Representa o imaginário do Construtivismo.

Depois da Revolução Bolchevique de 1917, os artistas construtivistas ganharam poder político e isso causou um desacordo entre aqueles interessados numa arte pessoal e aqueles ocupados em fazer um design utilitário para as massas. Por essa razão alguns deles como Naum Gabo, Pevsner, o pintor Vassily Kandinsky e outros deixaram a União Soviética; alguns foram para a Alemanha, para a escola Bauhaus de arte e design, assegurando a expansão dos princípios do Construtivismo através da Europa e mais tarde nos Estados Unidos.

Tatlin foi um dos artistas que se mantiveram na Rússia após este desinteresse político pela arte experimentalista, sendo obrigado, no fim da vida, a retomar a pintura figurativa que caracterizou a arte do regime de Stalin. Morreu em 1953.

O Construtivismo marcou o fim de uma era brilhante. Em 1925, o Comitê Central do Partido Comunista saiu contra a abstração; em 1932 os grupos culturais foram dispersados, em 1934 um novo estilo de propaganda do realismo social se tornou a única abordagem artística oficial da União Soviética.

O Construtivismo constitui-se em tendência universal e permanente na Arte. Movimento anti-naturalista gera formas segundo uma ordem matemática, propondo uma arte abstrata, geométrica e autônoma. Corresponde a uma ruptura total com a tradição da mimese, ou da representação da realidade visível.

Esta tendência faz surgir um conjunto de obras semelhantes, mas com diferenças quanto a sua origem. Partes delas oriundas da desconstrução e reconstrução geometrizada de formas naturais como no caso do Cubismo e Futurismo. Outras anti-naturalistas resultam de uma ordem matemática com uma linguagem de formas e cores autônomas em relação à natureza ou ao real como, por exemplo, o Abstracionismo em sua segunda fase e a Arte Concreta.    

GUTO LACAZ: o arquiteto que brinca com a arte.

I – VIDA:

Carlos Augusto Martins Lacaz ou simplesmente GUTO LACAZ, nasceu em São Paulo, em 1948.

Estudou no Colégio Dante Alighieri e foi considerado aluno problemático, chegando a reprovar uma série. Foi transferido para o Colégio Vocacional que em sua grade curricular, constavam atividades práticas, como encadernação, restauração e reconstrução de objetos. O curso formava técnicos em eletrônica industrial, o que estimulou o garoto criativo a desenvolver sua aptidão para construir e adaptar máquinas, maquetes, aparelhos.

O artista resume sua vida escolar em quatro itens:

1.      “No tempo de escola, ninguém me ensinou a ler Monteiro Lobato, mas sim uns livros horríveis, pavorosos, do José de Alencar – acabei ficando com aversão!”;

2.      “Nunca fui aluno brilhante, do tipo CDF – levei três bombas, passado estudantil que carrego orgulhosamente…”;

3.      “Sempre fui bom nessa história de por, tirar, pegar, cortar, colar. Quando entrei no ginásio, ainda não existia isso de chamar de veado quem fazia trabalho manual…”;

4.      “Não tenho o gosto de ler, mas sim o de folhear – gosto mesmo de livro ilustrado”.

Nessa época, Guto descobre também o desenho, com Ruy Pedreira, caricaturista exímio e seu vizinho. Na sequência, encanta-se ainda mais com o desenho durante o cursinho pré-vestibular, tendo por professores dois dos mais importantes artistas plásticos do país atualmente: Carlos Fajardo e Luiz Paulo Baravelli. Foram eles que o influenciaram a cursar Arquitetura, em São José dos Campos.
Em 1978, já na faculdade, Guto se deparou com a “Primeira Mostra do Objeto Inusitado”, uma espécie de concurso para eleger a peça de arte mais excêntrica promovido pelo Museu da Imagem e do Som, que atiçou sua criatividade e marcou, de certa forma, o início de sua carreira como designer gráfico.

Amante das ideias pitorescas, com mil e uma engenhocas já feitas, leu o regulamento do concurso e pensou:

“Acho que aquelas maluquices que tenho em casa são essa tal de ‘arte inusitada’”.

E se inscreveu, com mais de vinte. Qual não foi sua surpresa quando o pai de um amigo, que participara do júri, ligou para dizer que ele havia faturado dez prêmios!

Guto formou-se pela Universidade de São José dos Campos, na época uma escola inovadora que mesclava o espírito de faculdade de Arquitetura com algo parecido com a Escola de Comunicação e Artes (ECA), da USP.

Depois de formado, passou a trabalhar em seu próprio estúdio, “Arte Moderna”, onde realizava diversos trabalhos de criação: ilustrações, logotipos, editoriais, cartazes, cenografia, entre muitos outros.

   “Eu era um arquiteto desempregado que encontrou “más companhias”. Pessoas como eu, que faziam coisas interessantes, mas não conseguiam vendê-las. Cada amigo foi me dando uma contribuição preciosa. Fazendo descobrir novas formas de atuação.”

Outro fato marcante que influenciou sua carreira artística foi quando Guto assistiu ao Concerto para Piano de Cauda e Luvas de Boxe, que outro grande artista de vanguarda, Aguilar, realizou na Pinacoteca do Estado nos anos 80, onde ele aparece esmurrando um piano de cauda com pesadas luvas de boxe. Essa cena despertou-lhe as performances que, com poucos elementos, tinham a capacidade de provocar a inteligência dos espectadores. A partir daí, suas apresentações, sempre com toques de Teatro do Absurdo, começaram ser apresentadas em palcos de instituições culturais e hoje lotam auditórios de teatros.

A crítica especializada, por sua vez, não poupa elogios à arte “absurda” de Guto Lacaz. Seu bom humor e seu espírito irreverente cativam também o público leigo.

   “Eu fazia muito cinema Super 8. Quando apareceu o video, eu quis comprar pra experimentar, buscar canais de expressão. No fundo, tudo é uma coisa só, tudo se liga de alguma forma. Eu vi que nas artes havia muito essa relação, a relação entre as linguagens. Se bem que cada linguagem tem a sua profundidade, a sua especificidade, dando pra compor entre elas.

   É bom definir a coisa porque definir não empurra, definir movimenta. Se você define, vem algum outro cara e se opõe, ou então traz outra definição.

   Eu acho bom definir, ter definição por mais que as linguagens possam se unir, se relacionar, é bom ter claro o lugar de cada uma delas. É bom saber o que é que acontece na pintura, no teatro e na performance.  Eu tenho uma definição acadêmica do que é performance: uma modalidade artística em trânsito entre as artes plásticas e as artes cênicas.

   Na hora em que eu estou realizando uma ação no palco, eu procuro fazer de forma que a ação tenha integridade plástica, que ela tenha uma plasticidade. E não necessariamente que haja texto. O texto entra como o texto, o video, a caneta, o papel, o piano, entram como acessórios da situação.”

O exercício de criar e de “ter ideias” passou a ser não só o passatempo de Guto, mas também o trabalho dele. São mais de 30 anos dedicados à arte, através de instalações, objetos, máquinas, performances, esculturas, vídeo-instalações e mais um monte de coisa que é até difícil de catalogar. Guto Lacaz prefere se intitular artista prático, uma espécie de biscateiro (no melhor dos sentidos) coleciona exposições e premiações pelo Brasil e pelo mundo.

Na pele de um cidadão calvo, tímido, discreto e supostamente “normal”, vive uma unanimidade: Guto Lacaz, mestre da contemporaneidade urbana, que joga o tempo todo com a ironia e o nonsense na produção de uma obra que reflete, brincando, as mudanças impostas pela moderna sociedade industrial à esfera da arte.

Participou de diversos eventos, entre eles SKY ART na USP (1986), e Water Work Project, Toronto, Canadá (1978).

Lecionou comunicação visual e desenho de arquitetura na Faculdade de Artes Plásticas da PUC/Campinas, em 1978-80. Foi professor do curso “A Técnica” e a “Linguagem do Vídeo”, no festival de inverno de Campos de Jordão, em 1983. Foi editor da revista Around AZ.

Guto Lacaz, único habitante de uma ampla casa dos Jardins, reformada por ele, considera-se um homem feliz por levar uma vida simples.

   “A casa tinha desenho da década de 60, lindo, apenas ajustei ao que eu queria”, explica o artista em “momento arquiteto”.

   “Derrubei paredes internas e mantive o volume externo. No quintal derrubei o quarto de empregada, a lavanderia, um galinheiro e construí um atelier bacanudo, com pé-direito duplo, uma face toda de vidro e acesso direto ao jardim”, conta Guto.

   Sua filha Nina, de 11 anos, mora com a mãe, mas sempre visita o pai e passa com ele momentos pra lá de atarefados. Como aboliu de sua vida a empregada doméstica, Guto  e Nina, quando está com ele faz todos os serviços diários: limpa, cozinha e coloca em ordem os poucos objetos que possui.

   “Levo uma vida quase monástica”, revela o artista. “Uso só os objetos indispensáveis e considero importante passar isso para Nina.
   É bom que cada um limpe sua própria sujeira, quanto mais auto-sustentável, maior a qualidade de nossa vida”.

   Para chegar ao seu atelier “de briga”, localizado no subsolo de um edifício da Rua Pamplona, é necessário percorrer um curto labirinto e descer dois lances de escada. Nesse espaço amplo e despojado, sem divisórias, onde trabalha há mais de três décadas, ficam apenas algumas estantes com livros, poucos objetos, equipamentos próprios de uma oficina (torno e prensa, inclusive), mais uma bancada com os computadores e o telefone fixo. Tudo meticulosamente organizado, simples, funcional.

II – CARACTERÍSTICAS:

    “Os artistas, de modo geral, têm medo da ciência e acabam se esquecendo que, se ela for bem administrada, pode se tornar um poderoso instrumento de expressão”, explica Guto Lacaz.

Lacaz acredita que o meio deve ser elemento de suporte da ideia.

   

 “Não sou um artista plástico, mas sim prático. Sou um biscateiro, um sujeito do tipo que bate prego, pinta prateleira ou desencapa fios”, diz ele.

Sua produção transita entre o design gráfico, a criação com objetos do cotidiano e a exploração das possibilidades tecnológicas na arte, sempre tratada com humor e ironia.

Em suas obras e performances, Guto manipula diversos objetos e apresenta-se como uma mescla de artista-ator, inventor e mágico. Em suas instalações, transforma radical e poeticamente as funções dos objetos do dia-a-dia, chegando a tangenciar o insólito.

O artista mostra-se extremamente coerente com a variedade de lugares e situações onde apresenta seus trabalhos: de galerias e museus a teatros, espaços públicos e televisão.

   “Guto Lacaz já se cansou de ouvir que sua obra se inspira em Duchamp, de quem, aliás, ele nunca tinha ouvido falar até que começasse a ser objeto de análise por parte da crítica. Guto Lacaz não liga à mínima e continua desmontando rádios, carrinhos, liquidificadores, toca-discos e relógios como uma criança xereta que foi - e é -, para depois combinar partes de uma coisa com outra e produzir um objeto que ninguém saberá dizer para o que serve, exceto despertar um largo e inevitável sorriso. A diferença é que, enquanto uma criança costuma ganhar apenas um puxão de orelhas por sua exibição de criatividade, os objetos inventados por Guto Lacaz vão para as galerias de arte ao preço mínimo, estipulado por seu marchand, João Sattaamini, de 1.000 dólares - e acabam lhe rendendo o dinheiro dos compradores, a admiração dos colegas e o reconhecimento dos entendidos.”

Em seu conjunto de obras encontram-se esculturas lúdicas, pinturas, ilustrações, design gráfico e de objetos, videoinstalações, multimídia, eletroperformances, projetos e instrumentos científicos.

III - EVENTOS SELECIONADOS:

• 1978 - São Paulo SP - 1ª Mostra de Móvel e do Objeto Inusitado, no MIS
• 1982 - São Paulo SP - Idéias Modernas, na Galeria São Paulo
• 1985 - São Paulo SP - 18ª Bienal Internacional de São Paulo, na Fundação Bienal
• 1986 - São Paulo SP - A Trama do Gosto, na Fundação Bienal
• 1987 - Paris (França) - Modernidade: arte brasileira do século XX, no Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris
• 1987 - São Paulo SP - Muamba, no Subdistrito Comercial de Arte
• 1988 - Nova York (Estados Unidos) - Brazil Projects - PSI New York
• 1988 - Belo Horizonte MG - Idéias Modernas, na Fundação Clóvis Salgado - Palácio das Artes
• 1989 - São Paulo SP - Auditório para Questões Delicadas - Lago do Ibirapuera - SMC - instalação
• 1990 - São Paulo SP - 10 Cenas com um Armário - Securit, no MIS - performance
• 1990 - São Paulo SP - O Papel no Cotidiano, no Museu Brasileiro do Papel
• 1991 - São Paulo SP - Cosmos: um passeio no infinito, no Masp - instalação
• 1992 - Belo Horizonte MG - FórumBHZVídeo, com a instalação Video Games Mesmo
• 1992 - São Paulo SP - Máquinas e Motores na Sociedade, no Teatro Crowne Plaza - performance
• 1992 - Belo Horizonte MG - Música ao Vivo, no Centro Cultural UFMG - instalação
• 1993 - Poços de Caldas MG - Idéias Modernas, na Casa de Cultura de Poços de Caldas - IMS
• 1993 - São Paulo SP - Páginas Preciosas, templo mídia, na Galeria Luisa Strina - instalação
• 1994 - São Paulo SP - Arte Cidade 2: a cidade e seus fluxos
• 1994 - São Paulo SP - Recortes, na Galeria Luisa Strina
• 1994 - Rio de Janeiro RJ - Recortes, no Paço Imperial
• 1995 - Coréia - 95 Kwangju Internacional Biennale
• 1999 - São Paulo SP - Máquinas II, no Teatro Cultura Artística - performance
• 1999 - São Paulo SP - Viagens de Identidades, na Casa das Rosas
• 2000 - São Paulo SP - Garoa Modernista, na Oficina Cultural Oswald de Andrade - instalação
• 2000 - Rio de Janeiro RJ - O Som da Imagem de Gilberto Gil, no Paço Imperial

EVENTOS ITAÚ CULTURAL

• 1991 - São Paulo SP - Videoselos (instalação), no Itaú Cultural
• 1999 - São Paulo SP - Cotidiano/Arte. A Técnica - Máquinas de Arte, no Itaú Cultural

PRÊMIOS

• 1978 - 1ª Mostra do Móvel do Objeto Inusitado - MIS
• 1983 - 10º Prêmio Abril de Jornalismo - Ilustração
• 1984 - Prêmio Espaço Luminária - Phillips MIS
• 1985 - Prêmio Espaço Luminária - Phillips MIS
• 1986 - Troféu Creme de la Creme - Harpias e Mansfield
• 1988 - Prêmio Novas Mídias - APCA
• 1990 - 12º Prêmio Abril de Jornalismo - Ilustração
• 1992 - Prêmio Excelência Gráfica Abigraf - Personagens Femininos de Vânia Toledo
• 1995 - Bolsa John Simom Guggenheim Foundation
• 1998 - Broadcasting Video Awards - Vinheta Mundo Animal GNT
• 1998 - Melhor Portfólio - Revista Design Gráfico - Market Press Editora
• 1998 - Melhor Trabalho - O Som da Imagem de Caetano Veloso - Paço Imperial Rio de Janeiro
• 1999 - Melhor Portfólio - Revista Design Gráfico - Market Press Editora

IV – OBRAS:

   "Ganho dinheiro com as artes gráficas, mas são as artes plásticas que me fazem cada dia mais feliz”.

“Rádios pescando” (rádios de pilha enfileirados, com linhas presas às antenas esticadas); “Óleo Maria à procura da salada” (uma lata do óleo zanzando em uma bandeja vazia); “Crushifixo” (uma garrafa do refrigerante Crush fixada em um retângulo de gesso) são exemplos do olhar espirituoso de Guto Lacaz sobre a vida social contemporânea, que humaniza as coisas e “coisifica” as pessoas.

“Rádios pescando”

“Óleo Maria à procura da salada”

“Crushifixo”

“Cheque mate”

Nos anos 1980, lançou o primeiro espetáculo da série intitulada “Máquinas”. Em 25 quadros, o artista mostra novas possibilidades de “uso” de objetos do cotidiano como o aspirador de pó, vassoura e secador de cabelo. Ele debruça sobre a funcionalidade lúdica e desprograma as funções originais destes utensílios.

O espetáculo é cercado pelo silêncio e as performances são dirigidas por Guto e pelo assistente Javier Judas que veste um jaleco como em um laboratório de experimentações. Trilha sonora é coisa rara, uma ou outra vez faz parte das “brincadeiras”. Somos lembrados que estamos em uma situação irreal, de possibilidades com a intervenção de um pianista tocando uma canção quase de ninar envolto por uma névoa que parece bailar pela plateia como em um sonho.

Segundo ele, “Máquinas V é resultado de mais de 50 anos de pesquisas patafísicas e testes de laboratório”, respondendo às seguintes questões cruciais:
- Como abrir um guarda-chuva com uma máquina de escrever?
- Como deslocar uma cadeira com trens elétricos?
- Como fazer um duelo com aspiradores de pó?

Segundo Guto, o espetáculo é baseado em seus estudos que permitiram a descoberta do lado secreto dos objetos e com isso conseguem fazer composições cinéticas surpreendentes. “Máquina V” garante humor, precisão e surpresas.
O ponto de partida para a criação de cada uma das 25 cenas é a mesma. Ele garimpa objetos usados no dia a dia, observa ambulantes em faróis e visita lojas populares da Rua 25 de Março. Quando enxerga potencial nos produtos, compra, cria uma nova função para eles e apresenta tudo no palco.
    “A proposta é mostrar o lado cênico de um aparelho e do encontro de aparelhos que nunca se encontrariam, como máquina de escrever e guarda-chuva, taco de golfe e piano de cauda, vassoura com furadeira”, diz Guto.

Javier Judas e Guto Lacaz em "Máquinas V"

Guto Lacaz explica:

   “Minha primeira instalação consistiu de vinte e seis aspiradores de pó dispostos em duas linhas de treze unidades cada, de maneira a produzir ar sob pressão fazendo com que 26 esferas flutuem no ar. Na entrada, o visitante recebe um "walk man" com a trilha sonora "Tannhauser" de Richard Wagner e atravessa o corredor pelo tapete vermelho. Este trabalho produz grande felicidade para os que o vivenciam, pois cada um se sente homenageado por esta guarda de honra inusitada”.

“Eletro Esfero Espaço”, 1986
Instalação

A sensação causada pelas bolinhas flutuando apenas com o uso do aspirador de pó, a escolha da música, o tapete vermelho e a alegoria da guarda de honra é muito interessante. O efeito que cria uma sensação de êxtase.

“Tábuas de pensar roupa”

''Relógio para perder a hora''

Outro trabalho interessante, da categoria objetos, é o chamado “A Terceira Margem do Rio”, inspirado na obra de Guimarães Rosa.

“A Terceira Margem do Rio”

 

A obra consiste em dois barcos coloridos e um espelho que reflete um dos barcos fazendo parecer que são três. O interessante nesse trabalho é que um barco foi pintado com duas cores, de modo que com o espelho ficou parecendo dois barcos. Outro ponto positivo e comum em seus trabalhos é a possibilidade de interação.

Esses trabalhos e muito mais estão presentes em seu livro Omemhobjeto (Décor Books) que reúne três décadas. O trabalho foi imenso para organizar todo o material, sob a coordenação do próprio artista e com a ajuda do amigo e fotógrafo Edson Kumasaki, que fez mais de 300 fotos especialmente para a publicação.

Cartaz de Guto Lacaz para a ECO92

“Auditório para questões delicadas”

Obra impressa em Marrakech Noz

“Cozinheiro”, desenho reproduzido em aço carbono recortado com Raio Laser e pintado.

 

Performance fábula do cubo e do cavalo

"Acionada à distância por controle remoto"

''Lógico Equilíbrio'' 

Capa de disco da banda Luni